domingo, 25 de septiembre de 2011

Victo Rosa y el Alentejo


Durante unos años iba de vez en cuando a Alandroal en el Alto Alentejo (Portugal). Solía alojarme en Residencial Landroal. En su enlace pueden verse algunas imágenes. Allí, en el comedor había unas piedras que aprovechavan el relieve natural para describir las típicas casas alentejanas.  Chimenea alentejana, decoración con bandas en mostaza , siena o azul, banco de madera, teja cerámica... A veces varias casas con recintos amurallados. Poco a poco las fui viendo en diversos establecimientos de Alandroal. Cuando en el desayuno las contemplaba pensaba en la inteligencia de su ejecución. Su simplificación no excluía el detalle, los colores transparentes reflejaban luces y sombras alegres y claras, la ausencia de perspectiva común las hacía más próximas a la realidad. Eran elegantes y precisas y sobre todo describían un modo de construir en el Alentejo alejado de las imágenes tópicas que suelen aparecer en sus cerámicas. 

Un día mientras desayunaba caí en la cuenta de una preciosa imágen del pueblo, sin duda visualizado desde la muralla. Es esta

Victo Rosa. Alandroal.


La linea de horizonte había desaparecido y el conjunto de casas, centrada precisamente en Residencial Landroal, tenía una gran belleza. Un grado de simplificación elevado junto a un enorme nivel de detalle formando un todo consistente. Una huida sistemática de soluciones rutinarias y una búsqueda de tratamientos originales. Para los que conocíamos el paisaje nos evocaba el apelotonamiento de los pueblos alentejanos, las casas cuidadosamente mantenidas y decoradas. Esto me llevó a interesarme por su autor. Con respeto, me indicaron que se trataba del profesor Victo Rosa. 

Unos meses despues vi unos retratos suyos y entendí que Victo sintonizaba con lo que pintaba. No se trataba sólo de su enorme habilidad técnica sino de que establecía una corriente de simpatía y entendimiento con el motivo de la obra. Dicen que una obra por un lado muestra menos de lo que quiere el autor y por otro más. Y yo estoy muy de acuerdo. En lo obra de Victo se veía que no describía en los tipos populares mostrados aspecto negativo alguno. Sabía ver en ellos la dignidad profunda de las personas que conocen el medio en que viven.

Y este fin de semana en el Forum Cultural Transfronterizo de Alandroal tuve ocasión de ver una amplia muestra del trabajo reciente de Victo Rosa. Múltiples acuarelas mostraban retratos, paisajes, motivos sencillos.

Victo Rosa. Talhas I


Un ejemplo de la imagen que encabeza la exposición. Se trata de unos cántaros al sol en una esquina exterior en equilibrio con unos motivos vegetales lejanos. Por supuesto la fluidez en el manejo de la acuarela y la sensibilidad en el tratamiento de las tres texturas similares de primer plano, la calidez de luces y sombras son evidentes, pero observen la seguridad y la sobriedad de la descripción del motivo de segundo plano. Un conjunto de cántaros forman una textura de objetos en diversas posiciones en que solo algunas masas elementales con un tratamiento muy limitado de valores cromáticos próximos describen una realidad compleja fundiéndose con el fondo.

Victo Rosa. Na churrasqueira.


Otro ejemplo, un retrato de grupo en que el dueño de un restaurante local acompaña a las personas habituales del mismo. Los personajes de los lados representan formas ampliadas de algunos de los personajes centrales. Un presioso retrato de grupo en que el encargado de la exposición me comentaba: "Es que además para alguien de aquí los personajes se reconocen a la primera ojeada, tienen vida". Están ahí para siempre. 

En fin una exposición preciosa. Hasta donde sé Victo no ha nacido en Alandroal. Cuando volvía a Madrid iba pensando en lo que quería decir sobre él. Y me venía constantemente a la cabeza la letra del fado.

Cantarei até que a voz me doa
Pra cantar, cantar sempre meu fado
Como a ave que tão alto voa
E é livre de cantar em qualquer lado
Cantarei até que a voz me doa

(Cantaré hasta que me duela la voz/ para cantar cantar siempre mi fado/ como el ave que tan alto  vuela/ y es libre de cantar en quelquier lado/ cantaré hasta que me duela la voz)

Y no se porque me recordaba a Victo.

miércoles, 21 de septiembre de 2011

Rafa Macarrón y Distrito 4


La Casa de vacas del Retiro de Madrid mostró el año pasado una exposición con los finalistas del XXV premio BMW de pintura. Se trata de un premio muy prestigioso y bien dotado. Vean por favor los premiados de todos estos años y podrán valorar la gran cantidad de formas y estilos. Los seleccionados tienen en común asimismo la calidad de ejecución y su variedad formal. Bueno, pues en este conjunto de obras de factura impecable y grandes dimensiones el visitante se pregunta quien ha ganado el premio. 

En la edición de 2010 el premio correspondió a la obra "Los tres mosquiteros" de Rafa Macarrón. Allí, en la sala central de la exposición se situaba un extraño cuadro en que tres personajes (dos de ellos antropomórficos y el tercero zoomórfico) estaban entregados a cazar mosquitos rodeados de unos cuantos insectos diminutos en una desarrollo cromático audaz. Esta es la obra.


Rafa Macarrón. Los tres mosquiteros. (Tomada de la página citada del premio BMW)


Y este es un enlace que permite ver los detalles en la página de Rafa Macarrón.

Y ahora en la Galería Distrito 4 de Madrid se muestra todo el universo de la obra reciente de Macarrón. Los temas tratados son aparentemente sencillos. Este es el tarjetón de la exposición:

Rafa Macarrón. Aqui no llega 2011. Distrito 4. Foto José Luis Municio.

En un dia de lluvia un personaje humanoide protegido por un paraguas de colores observa una nube. La nube descarga su lluvia sobre un charquito de dimensiones inciertas puesto que las claves espaciales han desaparecido. Algo más ha sucedido. En la imágen un personaje que no se nos muestra, quizá un perro, ha pisado el charco y deja un rastro de huellas que recorren el cuadro, lo abandonan, vuelven al mismo y finalmente desaparecen.

Así son los personajes de Macarrón expuestos en la muestra. Recuerdan algo parecido a la visión que un extraterrestre tendría de los humanos si llegara a nuestras sociedades. Formas humanas y animales interactúan, se agreden, se protegen o muestran su perplejidad. La misma perplejidad se trasmite al espectador. No parece que sean completamente comprendidos tal vez porque no haya nada que comprender.

Pero claro en una obra plástica el desarrollo formal de la idea es un elemento clave y Rafa Macarrón consigue una originalidad y una calidad de factura notables. Muchas de sus composiciones incluyen un lienzo incluído en una caja de metacrilato de unos centímetros de profundidad. Queda un pequeño espacio entre lienzo y caja y en ese pequeño espacio se sitúan algunos de los elementos de la obra (algunos ojos, nubes...) que se integran con la base del mismo. Un recurso similar aparece en los dibujos que constituyen los bocetos de partida,  láminas de acetato sobreimpuestas en que pintura salpicada realiza la misma función sobre los dibujos en papel.

El artista desarrolla una forma propia de representación (lluvia, pasos...) que se repite a lo larto de su obra.

Hemos visto que el cuidado tratamiento del color, la elección de los elementos narrativos, la representación alejada de convenciones constituyen elementos formales originales, pero hay más. Las texturas sofisticadas alternan en el mismo cuadro con grandes masas de color plano, diminutas formas (un insecto, una bombilla, un detalle del atuendo...) son tratados con el mismo mimo que los elementos de mayor tamaño estableciéndose entre ellos un diálogo complejo. A veces aparece una nube de insectos; en su desarrollo el autor huye de la simplificación en un "todos iguales, todos diferentes".

Finalmente me gustaría hablar del espacio en que se sitúan las historias. El artista utiliza un espacio deformado en sus composiciones planas pero en colaboración con su hermano diseña espacios tridimensionales sobre un sistema de paneles que produce una ambigüedad todavía mayor. En estos casos el espacio del cuadro crea una auténtica "trampa para el ojo" contribuyendo a la incertidumbre del espacio físico.

Personajes deformados, actitudes reconocibles, variedad formal, espacios inciertos, complejas armonías de color... Se ha destacado el carácter surrealista de la obra y efectivamente algunos rasgos recuerdan a Miró o Gorky.

En fin que sin duda la exposición merece una visita. Si están interesados en Rafa Macarrón esta es una entrevista (fichero pdf) que comenta su método de trabajo, esta es su página web y este es el conjunto de la obra expuesta en Distrito 4

domingo, 18 de septiembre de 2011

El cine y el Guernica


Hace unos días los periódicos se hicieron eco de una curiosa noticia: Jose Luis Alcaine sugería que algunos elementos plásticos del Guernica estaban basados en una secuencia de la película "Adios a las Armas"

El Pais mostraba un fotomontaje con el conjunto del cuadro. Este es el enlace

Ciertamente las analogías eran muy destacadas y como siempre nos ha gustado la génesis de los proyectos artísticos  ( vease en nuestro blog  la documentación a propósito de Leon Golub y "El final trágico de Marcel Duchamp") nos pusimos a seguir el rastro de la información. 

Al parecer se trataba de un artículo publicado en la revista Cameraman. Este es el enlace en que puede leerse la historia completa. 

Afortunadamente podemos encontrar alguna otra cosa en la red. Esta es la ficha técnica de "Adios a las armas".

Y tras esto seguro que se han quedado con ganas de ver la película. Puede encontrarse en Youtube. Este es el film en youtube


A ver que opinan...

domingo, 11 de septiembre de 2011

Jose Manuel Ballester


Acudo a la exposición de  Jose Manuel Ballester "La abstraccion y la realidad" en Alcala 31 de Madrid. Se trata de un artista joven con una trayectoria muy amplia. En su exhaustiva y muy bien documentada página  web pueden verse los contenidos de la exposición. Para ello pulsen por favor "Exposiciones > La abstracción en la realidad". Incluye cinco páginas de imágenes pequeñas que pueden ser ampliadas.

¿Que es esto de la abstracción en la realidad?. Evidentemente en su concepto menos artístico la abstracción deriva de la realidad. Una vez eliminados los elementos accesorios y establecida la síntesis de múltiples casos particulares llegamos a un "ser" que refleja los rasgos esenciales del género a que se refiere. No se trata exactamente de esto. Si no estoy equivocado el autor se refiere a un modo de abstracción geométrica próxima al constructivismo que podemos descubrir en nuestra experiencia real. Se trata de encontrar los contenidos más abstractos y de menor base figurativa (rectas, curvas, superficies, interacciones) en las arquitecturas vacías que nos rodean. El artista en esta exposición huye de la naturaleza "biológica" (seres vivos, paisajes rurales) y nos acerca a los espacios que el hombre crea a su imagen y semejanza. Como en el mito de la caverna debemos adivinar la existencia del hombre y de su pensamiento en sus sombras. 

Los recursos utilizados son sorprendentemente eficaces. El encuadre fragmentario de imágenes tridimensionales y su aparición en un espacio bidimensional en que todos los elementos se encuentran enfocados hace surgir un plano que es radicalmente diferente. Se consigue así la creación de un espacio abstracto. 

En otras ocasiones una intensa entrada de luz aparece en un espacio complejo, no tanto para permitirnos percibir su "arquitectura" global sino más bien para desvelar un conjunto de superficies de luz que se expresan por una gama de planos en diferentes tonos de gris.

El artista se plantea en su obra la elección de la técnica (fotografía, dibujo, pintura) más adecuada. Podría pensarse que la fotografía no es el mejor medio para destacar la abstracción geométrica subyacente a la realidad. Por un lado la precisión de detalle inherente a la fotografía evoca continuamente la realidad, por otra la aparición de elementos que no pueden ser eliminados contamina nuestra visión de lo evidente.

En el dibujo o la pintura el autor puede, si asi lo desea, eliminar con facilidad lo que no contribuye a la claridad del mensaje mostrado. Ballester opta por un recurso similar en algunas de las fotografías mostradas haciendo desaparecer mediante retoque digital elementos de la imagen. En otras ocasiones permite la presencia de las imperfecciones o texturas que nos distraen exigiendo del espectador un esfuerzo de elaboración interior que le acerca a la realidad insinuada.

El artista había realizado un proceso similar en obras pictóricas clásicas. Este es un video que muestra el resultado


 
Ballester ha explicado con precisión su pensamiento a propósito de la exposición. A pesar de la ausencia humana el vacío nos habla del hombre que lo creó o lo habita. Este es un vídeo muy claro en que se nos explica como el vacío "llena mucho" y otros muchos temas de gran interés como la definición de la escala de representación y el formato de la obra como elementos expresivos básicos. 


 
Únicamente añadir que, al menos los domingos, la exposición incluye visitas guiadas en que la guía describe con conocimiento algunos de estos aspectos y detalla el edificio o paisaje urbano que dió lugar a la fotografía. Es un placer seguir con ella el itinerario. 

El marco de la monumental sala de exposición es completamente afín a las fotografías mostradas y descubrimos en él que la mirada adiestrada por Ballester nos hace aparecer preciosas abstracciones geométricas en el espacio que nos rodea.


sábado, 3 de septiembre de 2011

Cartas a un joven artista


Vuelvo de vacaciones y aún no me da tiempo de ver exposiciones. Releo "Cartas a un joven artista" (Ediciones El Cipres). Lo compré en la librería de la Fundación Mapfre. Es una librería pequeña especializada en arte que a menudo sorprende con libros que no se encuentran en otros sitios. Este es la referencia del libro original en Amazon.

El libro recoge una serie de cartas de artistas plásticos maduros a un recién licenciado en Bellas Artes que vive en Nueva York y se plantea como abordar su propia carrera. Poco más de veinte artistas contestan a sus preguntas.

Decía Joaquín Vaquero  citando a Goya que no hay reglas en el arte. De hecho este tema fue el título en su discurso de ingreso a la academia. Un mismo objetivo, la traducción de la vida en imágenes puede alcanzarse de formas muy diferentes. Y algo parecido sucede con la carrera de un artista. Su propia carrera (como en cualquier otra profesión) es una pieza muy importante de su quehacer y produce una gran ansiedad si las decisiones tomadas son las correctas. Así que conocer opiniones de artistas maduros es un recurso muy útil.

Y entrando en el detalle del libro ¿Son coincidentes las diversas opiniones?. Pues a veces si y a veces no. No podíamos esperar otra cosa.

Muchos de ellos acentúan el gusto por el trabajo en el estudio, el espacio íntimo en que se produce la creación. No temer la experimentación. Dejar que maduren las propias ideas. Trabajar mucho y meditar sobre la obra en función de uno mismo.

Algunos de los consejos de las cartas son útiles para cualquier campo de actividad. Definir objetivos, ser constante en el esfuerzo, mantener un elevado tono moral, ser ambicioso en tus aspiraciones, adaptar el mundo a tu propia forma de ser, conocer lo que se hace alrededor...

Otros son más específicos y quizá más sutiles.

Xu Bing nos comenta que el arte es un objeto de intercambio. Has de aportar algo nuevo que todavía no esté en el sistema. Esta es la carta completa en ingles publicada en su sitio web

Stephen Shore nos habla de que encontrar tu voz es un proceso, no una meta. Si esperas a haberla encontrado quizá nunca muestres tu obra.

Finalizo con una maravillosa cita de Yoko Ono. "El mundo es tu ostra. Te proveerá de material infinito para tu arte. Míralo de nuevo bajo ese punto de vista. De pronto el mundo es un lugar diferente, interesante, hermoso y misterioso. Diviértete con él. Y comparte la diversión con nosotros."

Por supuesto que no se trata de "reventar" el libro sino solo de glosarlo. El tono próximo y amigable de una carta breve a un desconocido hace el libro muy apropiado para una lectura "a saltos" y para quedarse luego un rato pensando sobre el contenido. Seguro que les gusta.